As 19 melhores peças e musicais de 2017

1 A visita da banda

Matthew Murphy

A produção off-Broadway de A visita da banda fiz minha lista de melhor teatro de 2016 Dezembro passado, e enquanto tento evitar as repetições, não consigo imaginar uma lista do melhor teatro de 2017 que não a inclua. A visita da banda não é apenas um dos meus melhores shows deste ano - é talvez meu musical favorito da última década. Meu amor por esta peça de teatro impressionante e enganosamente profunda só cresceu desde que a vi pela primeira vez. O show documenta a colisão inesperada entre os residentes de uma pequena cidade israelense e os membros de uma banda egípcia que ficam presos lá durante a noite. O livro de Itamar Moses, baseado no filme de 2007, é admiravelmente contido, pois investiga a vida de dois grupos de pessoas cujos caminhos nunca se cruzariam se não fosse por um erro fortuito que os aproxima. A linda trilha sonora de David Yazbek sublinha o núcleo emocional amplamente não falado do musical - esta é uma história sobre anseio e a busca constante por conexão. Há momentos de humor e emoção ao longo, com performances de destaque lideradas pela estrela revelação Katrina Lenk, culminando em um número final de tirar o fôlego, Answer Me, que te pega desprevenido por derramar lágrimas que você nem sabia que estavam crescendo.

2 Queimar a noite toda

Evgenia Eliseeva



Difícil não pensar no fim do mundo em 2017. A agradável surpresa de Queimar a noite toda é como o apocalipse parece divertido: se tudo vai acabar, agora é a hora de festejar com abandono. E Queimar a noite toda é uma festa - a produção do novo musical do American Repertory Theatre foi encenada como um clube. A trilha sonora, com letra de Andy Mientus e música de Van Hughes, Nicholas LaGrasta e Brett Moses, se encaixa nessa vibe. Os membros do público permaneceram em grande parte na pista de dança, movendo-se entre os personagens enquanto eles tocavam sons de synth-pop e ponderavam sobre um futuro incerto. Houve uma sensação de pavor que destacou os procedimentos, com uma vaga desgraça à espreita no horizonte, mas o show estava firmemente comprometido com o bom tempo. Talvez seja isso que fez Queimar a noite toda tão ressonante em um ano em que muitos de nós lutamos com o dilema de como se divertir quando parece que tudo está desmoronando. O fato de a produção reunir um elenco vibrante incluindo Lincoln Clauss, Krystina Alabado, Kenneth Clark e Perry Sherman ajudou a produção - suas vozes se elevaram acima das batidas pesadas e do barulho da multidão para deixar a trilha sonora intensamente cativante brilhar. Apesar das minhas intenções de flores, Queimar a noite toda me moveu - tanto figurativamente quanto para a pista de dança - e para alguém que teme dançar e o fim inevitável de todas as coisas, isso é um feito poderoso.

3 Charme



Joan Marcus

As conversas sobre representação e inclusão proliferaram nos últimos anos, mas vozes trans , tanto no palco quanto fora dele, muitas vezes foram deixados de fora das discussões. Isso é parte do que fez a produção do MCC Theatre de Charme uma lufada de ar fresco. Este foi um show sobre pessoas trans, com um elenco de atores trans e não-conformes de gênero, muitos deles pessoas de cor, e um diretor trans no comando. Assistindo Charme foi emocionante - parecia o tipo de passo significativo à frente que o teatro deveria dar. Mas o show também foi uma explosão, porque é caloroso, engraçado e cuidadosamente elaborado. Mama Darleena Andrews (Sandra Caldwell) é uma mulher negra trans de sessenta e poucos anos que decide ensinar etiqueta em um centro comunitário LGBTQ em Chicago, apesar das reservas de quase todos ao seu redor. Isto não é um Mentes Perigosas- história de estilo sobre um professor durão lutando para chegar a uma classe de alunos que não querem estar lá, mas sim sobre as divisões geracionais que alimentam esse conflito. O que é empolgante sobre Charme é que abrange os tons de cinza à medida que a concepção de queerness de mamãe entra em conflito com uma compreensão mais moderna e progressiva da identidade de gênero - enquanto mamãe defende um binário de gênero para evitar confundir as pessoas, o centro onde ela trabalha celebra a fluidez. A peça poderia facilmente se tornar moralista, mas, em vez disso, permite o tipo de conversa frutífera e aberta a que mais teatro deveria aspirar.



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Quatro. Uma casa de boneca, parte 2



Brigitte Lacombe

Em maio, eu me vi em uma apresentação à meia-noite de Uma casa de boneca, parte 2 . Antes disso, eu teria sido pressionado a pensar em uma peça que eu gostaria de assistir àquela hora - particularmente uma que eu já tivesse visto - mas Uma casa de boneca, parte 2 é uma peça de teatro tão emocionante, e a atuação de Laurie Metcalf tão atraente, que fiquei fascinado do início ao fim. Poderia muito bem ter sido Rocky Horror . A peça de Lucas Hnath levanta uma questão que inúmeras outras pessoas fizeram desde o original Uma casa de boneca foi apresentada pela primeira vez em 1879: O que aconteceu depois que Nora fechou a porta para seu marido e filhos para descobrir uma vida própria? Na visão de Hnath, Nora (Metcalf) tornou-se uma escritora de sucesso que traduziu sua experiência em obras que perigosamente postulam que as mulheres poderiam viver melhor sem os grilhões do casamento. Seria fácil fazer disso o grito de guerra de Uma casa de boneca, parte 2 , mas Hnath permite ampla complexidade em sua exploração da perspectiva de Nora e da perspectiva daqueles que ela deixou para trás, incluindo seu marido (Chris Cooper), sua babá (Jayne Houdyshell) e sua filha (Condola Rashad). Todos os atores do elenco ganharam indicações ao Tony, o que é uma prova de seu talento e do roteiro de Hnath. Esses personagens tiveram uma rica vida emocional que desafia de forma brilhante o ponto de vista limitado de Nora - e as expectativas do público.

5 Luz fantasma



Juliet Cervantes

Os cinemas sempre parecem um pouco mal-assombrados, provavelmente porque são. A produção envolvente Luz fantasma explorou essa ideia permitindo que o público entrasse no espaço assustador dos bastidores do Claire Tow Theatre no Lincoln Center, onde os espíritos abundam, fazendo um show para ninguém em particular. Ao longo de duas horas, você subiu escadas e caminhou por corredores escuros: parte do que o tornou tão emocionante foi a sensação de que você estava entrando em um espaço onde não era totalmente bem-vindo, vendo algo que não deveria estar vendo . Third Rail Projects, a empresa por trás das produções anteriores Então ela caiu e O grande paraíso , criou a rara experiência imersiva que parecia verdadeiramente perfeita. Foi fácil se perder nas cenas que você percorreu - um encontro com um ator em seu camarim, uma dança entre as poltronas vazias do teatro - e no final, eu senti como se realmente tivesse entrado em outro mundo. Havia magia real em Luz fantasma , um programa que tenho lutado para descrever ao longo dos meses desde que o vi. O que posso dizer é que, mesmo que os detalhes sejam confusos, não vou esquecer a qualidade onírica do meu tempo vagando pelo Reboque Claire. Como o melhor teatro imersivo, me obrigou a me entregar completamente, abandonando as duras realidades da vida - uma perspectiva bem-vinda em 2017 - e abraçando o surreal.

6 Aldeia



Eric Michael Pearson

A produção de Waterwell de Aldeia não era o mais agitado Aldeia este ano; essa seria a produção de Sam Gold no Teatro Público, estrelada por Oscar Isaac como o indeciso príncipe da Dinamarca. Este Aldeia foi atraente e bem executado, mas é o Waterwell Aldeia , que se passa na Pérsia há 100 anos e se apresenta em inglês e farsi, que ficou comigo. As abordagens modernas de Shakespeare podem ser acertadas ou perdidas: adaptações de alto conceito são maneiras inteligentes de distinguir sua produção das infinitas iterações que vieram antes dela, mas muitas parecem arbitrárias. Esse Aldeia foi concebido de forma tão cuidadosa que seus desvios da norma pareciam essenciais. O uso de farsi (sem legendas) falou sobre a universalidade de Shakespeare, para não mencionar o lirismo da língua. Ao mesmo tempo, o novo cenário amplificou os temas da identidade conflituosa de Hamlet e do mundo em mudança ao seu redor. A abordagem sutil de Arian Moayed sobre o príncipe foi uma interpretação bem-vinda, fundamentando uma produção que se permitiu uma visão do mundo além do texto original de Shakespeare. Alguns membros do público podem resistir a uma produção que toma esse tipo de liberdade com um clássico, mas é desafiando essas expectativas que produções como Waterwell Aldeia deixe uma impressão duradoura.

7 Olá, Dolly!



Juliet Cervantes

Bette Midler pode ser a grande atração do espalhafatoso Olá, Dolly! avivamento, mas como qualquer pessoa que viu Donna Murphy assumir o papel-título pode lhe dizer, Midler não é o único empate. Talvez com sabedoria, esse reavivamento se aproxima do original e, conseqüentemente, parece um pouco como uma cápsula do tempo. Dado o valor do entretenimento escapista agora, esse é um ponto importante a seu favor: ver Olá, Dolly! é como entrar em um mundo claro e em tons pastéis, onde não há nada que não possa consertar ao vestir as roupas de domingo. Este é o tipo de musical grande e barulhento da Broadway que deslumbra onde programas menores e mais sutis como A visita da banda e Caro Evan Hansen entrar sob sua pele. Ambos são valiosos e, embora tendo a gravitar em torno de experiências teatrais mais íntimas e contidas, alguns dos meus momentos mais felizes deste ano foram passados ​​na platéia do Shubert Theatre. Midler é de fato uma estrela, e Murphy mostra o lado mais suave do personagem grandioso com grande efeito. Mas atenção também deve ser dada ao elenco de apoio: David Hyde Pierce, Gavin Creel, Taylor Trensch, Kate Baldwin e Beanie Feldstein. Olá, Dolly! pode parecer um pouco antiquado para alguns, mas o que falta em inovação é compensado em alegria pura e desenfreada.

8 Cem dias



Joan Marcus

Quando eu vi Cem dias , o público parecia um pouco perplexo - seria um musical ou um concerto? Na verdade, a produção do New York Theatre Workshop segue essa linha, enquanto Shaun e Abigail Bengson (os cantores principais da banda apropriadamente chamada de Bengsons) refletem sobre seu improvável namoro por meio da música. Mas assim que você deixar de se preocupar com como chamá-lo exatamente, Cem dias conta uma história cativante e emocionalmente poderosa sobre como é se apaixonar - e como é ser consumido pelo medo de perdê-lo. A música dos Bengsons é tão estimulante como sempre, e a honestidade estremecedora de suas letras combina bem com a natureza profundamente pessoal da história que estão compartilhando. Mesmo que os detalhes de sua história sejam exclusivos de sua experiência, Cem dias permanece dolorosamente identificável, pois envolve a questão de como podemos passar tempo suficiente com as pessoas que amamos. Parece um pouco impreciso chamar o show de experimental, mas - como tantas produções do NYTW - amplia nossa percepção de como o teatro pode ser. Isso quase sempre é uma coisa boa. E para cada cliente que se sentiu desanimado com o que estava assistindo, havia muitos outros que ficaram entusiasmados e inspirados por experimentar algo novo.

9 Se eu esquecer



Joan Marcus

Dizer que a identidade judaica é carregada em 2017 é um eufemismo, mas a identidade judaica é sempre carregada - é o nosso tipo de coisa. A peça afiada e implacavelmente instigante de Steven Levenson é sobre judeus americanos em uma época diferente e ainda complicada de nossa história, o início dos anos 2000. Existem muitas grandes ideias aqui, algumas mais atraentes do que outras. Eles são transmitidos com paixão por personagens definidos em parte por suas convicções firmemente enraizadas. Em mãos menores, Se eu esquecer pode parecer uma palestra, mas esta é uma peça de coração aberto que reconhece que há alguma validade no que todos estão dizendo, mesmo que seja difícil imaginar um acordo. Ter atores fortes em toda a linha também torna o peso mais fácil, e Jeremy Shamos, Maria Dizzia, Kate Walsh e o resto do elenco fizeram um trabalho excepcional, explorando o humor e as nuances do roteiro de Levenson. (Tem sido um bom ano para Shamos, uma adição tardia ao elenco de Chuva de meteoros Na Broadway. Ele é ótimo nisso também.) Eu vi um monte de peças com muitas conversas sobre drama familiar este ano - e, vamos encarar, todos os anos - mas Se eu esquecer ainda conseguiu me surpreender.

10 Indecente



Carol Rosegg

Eu diria que Katrina Lenk teve sorte de aparecer em dois dos melhores shows da Broadway este ano, mas realmente esses shows - Indecente e A visita da banda - tive sorte em tê-la. Ela é o tipo de artista de quem você não consegue tirar os olhos, e ela é uma das muitas peças de Indecente que se juntaram para formar uma experiência teatral distinta e revigorante. Indecente conta a verdadeira história da polêmica em torno da peça de Sholem Asch Deus da vingança , que viu seus membros do elenco serem presos por obscenidade quando foi apresentada na Broadway em 1923. O show é extenso em seu escopo, cobrindo várias décadas de enredo e incorporando música, fantasia e cenas do provocativo Deus da vingança . A dramaturga Paula Vogel evitou sabiamente uma recontagem literal da história, e a diretora Rebecca Taichman - que ganhou um Tony merecido por seu trabalho - enfatizou a teatralidade do show em todos os momentos. Era lírico e intensificado: você tinha plena consciência de que estava assistindo a uma peça. E então, embora houvesse tanto para se apaixonar Indecente , o que mais me mexeu foi que só poderia ter funcionado no palco. Aqui estava um show sobre o poder único do teatro que mostrava o poder único do teatro, uma impressionante lembrança da importância de mostrar em vez de contar. eu desejo Indecente tinha encontrado mais um público, mas principalmente, estou grato que isso aconteceu.

onze. {minha peça de lingerie} 2017: O CONCERTO E A CHAMADA PARA OS BRAÇOS !!!!!!!!! A instalação final



Jeremy Daniel

Vamos tirar isso do caminho primeiro: eu fui para o ensino médio e o ensino médio com Diana Oh, a visionária por trás {minha peça de lingerie} , mas a presença do programa nesta lista não tem nada a ver com favoritismo. Honestamente, eu tinha apenas uma familiaridade passageira com o trabalho de Oh após o ensino médio e não tinha certeza do que esperar dessa produção no Rattlestick Playwrights Theatre, então estava completamente despreparado para o efeito profundo que isso teria sobre mim. Como muitos dos melhores programas que vi este ano, {minha peça de lingerie} é mais fácil falar sobre como isso me fez sentir do que sobre o que exatamente aconteceu. Saí do show me sentindo fortalecida, encorajada e - em parte graças à sombra brilhante que apliquei na estação de maquiagem do teatro - mais sexy do que o normal. {minha peça de lingerie} está apropriadamente zangado quando Oh acusa a cultura do estupro e o racismo institucional, mas também está cheio de amor. Nunca antes me senti tão conectado a uma audiência de estranhos como Oh celebrou a autoexpressão, o consentimento entusiástico e o mundo estranho. O show é uma coisa tão rara e especial que sinto uma afinidade com todos que o viram e um pouco com pena daqueles que não viram. Oh escreveu, eu quero criar o tipo de arte que faz as pessoas suarem de sua alma. Não consigo pensar em uma articulação melhor para o que seu trabalho fez comigo.

12 Oh My Sweet Land



Pavel Antonov

Eu chorei por toda a Oh My Sweet Land , principalmente porque eu estava sentado em uma pequena cozinha e o ator na minha frente estava cortando cebolas. Isso não é para tirar a potência do trabalho - eu só acho que é importante ao articular que peça de teatro na sua cara foi notar que o corte de cebolas estava literalmente na minha cara. E meus olhos estavam queimando. Oh My Sweet Land foi apresentada em cozinhas por toda a cidade ao longo de sua execução, permitindo uma intimidade que nunca poderia ser alcançada em um cenário teatral tradicional. A peça é um monólogo: por pouco mais de uma hora, uma mulher (Nadine Malouf) cozinha kubah, um prato tradicional da Síria, e conta sua história de se apaixonar por um exílio na Síria e voltar para sua terra natal no meio da guerra e como refugiada crise. É uma perspectiva muito pessoal sobre um conflito que é desafiador para a maioria conceber, e essa especificidade, juntamente com a encenação inovadora, dá Oh My Sweet Land um imediatismo surpreendente. Escrito por Amir Nizar Zuabi, que concebeu a peça com o ator Corinne Jaber enquanto eles viajavam por campos de refugiados sírios, Oh My Sweet Land é uma repreensão contundente para quem ouve 'Síria' e se desliga. Tenho pensado nisso muitas vezes desde que o vi em setembro, a memória sensorial evocada sempre que meus olhos queimam de cebolas.

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13 Uma vez nesta ilha



Joan Marcus

Eu me apaixonei pela primeira vez por Uma vez nesta ilha no colégio, e fiquei encantado ao ouvir sobre um avivamento dirigido por Michael Arden, cujo Spring Awakening foi um dos meus programas favoritos de 2015 . Eu sabia que sua opinião sobre o musical seria distinta e fiquei impressionado com as escolhas que ele fez ao trazer Uma vez nesta ilha para a Broadway novamente. De muitas maneiras, o show cobre um território bem conhecido: é essencialmente um conto de fadas, seguindo Ti Moune (Hailey Kilgore), uma garota escolhida pelos deuses para um propósito maior e seu romance infeliz com Daniel Beauxhomme (Isaac Powell) . A produção de Arden captura a familiaridade da história ao mesmo tempo que a impregna com um frescor e uma perspectiva moderna que parece firmemente plantada em 2017. Fora da encenação e da estética, Uma vez nesta ilha também possui um conjunto incrível: Kilgore é uma descoberta verdadeiramente fantástica, emergindo como uma estrela a partir do momento em que ela faz sua entrada. E é impossível ignorar a outra estreia revolucionária na Broadway, Alex Newell como a deusa da terra Asaka. Tenho seguido a carreira dele desde The Glee Project e ele sempre pareceu destinado à grandeza. His Mama Will Provide é o ponto alto da temporada na Broadway - os deuses são bons.

14 Aberturas do Pacífico



Joan Marcus

A direção de John Doyle não é para pessoas que gostam de espetáculo: ele é o mestre da produção reduzida e sua opinião sobre o de Sondheim Aberturas do Pacífico foi uma de suas obras mais esparsas. O elenco da produção da Classic Stage Company foi reduzido para 10, com cenário e figurinos minimalistas. O show em si foi cortado, com a aprovação de Sondheim - Chrysanthemum Tea foi extirpado, junto com o Ato I original mais próximo, Dança do Leão. A nova versão durou 90 minutos. Mas sem todos os babados, Aberturas do Pacífico - uma das obras menos conhecidas de Sondheim - emergiu como uma das melhores realizações do compositor. Os fãs do show vêm cantando seus elogios há anos, e o próprio Sondheim chamou a música Someone in a Tree de sua favorita, mas devo admitir que, até esta produção, nunca entendi por que Aberturas do Pacífico tinha um fandom tão ardente (embora mínimo). Ao deixar tudo nu, no entanto, Doyle expõe o quanto o show realiza ao longo de seu breve tempo de execução. Cada música é uma peça em si mesma e, juntas, documentam a chegada dos americanos ao isolado Japão de 1853 e a modernização do país que se seguiu. Às vezes é uma sátira cômica sombria, mas também inclui uma pungência ousada. Alguém em uma árvore é particularmente comovente - eu entendo agora.

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quinze. Bandeiras vermelhas



Lauren Ludwig

Eu já escrevi sobre o meu experiência com Bandeiras vermelhas , uma peça que o leva a um primeiro encontro extremamente estranho, mas ao revisitar o teatro que vi este ano e que mais me marcou, percebi que seria negligente em sair Bandeiras vermelhas fora da lista. De todos os programas envolventes que vi em 2017 - e foram muitos! - Bandeiras vermelhas foi facilmente o mais desconfortável. Você pode ler meu relato completo da noite em meu artigo anterior, mas a versão curta é que me encontrei com Emma (Lauren Flans) para um primeiro encontro. Passamos uma hora caminhando e conversando sobre nossas vidas, e ela me deixou cada vez mais inquieto ao compartilhar detalhes íntimos e preocupantes sobre si mesma. Bandeiras vermelhas me forçou a considerar o que conta como teatro: a peça Capital W tem um roteiro - Lauren Ludwig escreveu e dirigiu - mas é encenada para um público de um e exigiu mais participação do que qualquer outro show que já estive. Mesmo para os padrões do teatro envolvente, não é convencional, mas não há como negar que Emma é uma das criações teatrais mais atraentes que encontrei este ano. E como muitos dos meus programas favoritos, ele confrontou algumas verdades muitas vezes profundamente desagradáveis ​​sobre relacionamentos e interação humana: há algumas pessoas que expulsamos de nossas vidas porque é mais fácil do que tentar entendê-las. Não pensei que teria um encontro com uma mulher este ano, mas para que serve o teatro senão para te tirar da sua zona de conforto?

16 Meninas da escola; Ou, as mulheres malvadas africanas jogam



Joan Marcus

O descaradamente intitulado Meninas da escola; Ou, as mulheres malvadas africanas jogam dá a você uma noção clara dos objetivos do programa: esta é uma versão africana daquela história familiar de abelhas-rainhas e aspirantes a abelhas-rainhas. O cenário pode ser diferente, mas a disputa pelo domínio social a todo custo é basicamente a mesma. Aqui, Paulina (MaameYaa Boafo) é a garota mais popular de seu colégio interno em Gana, aterrorizando sua legião de seguidores até a submissão. Ela quase garantiu um lugar no concurso de Miss Universo - isto é, até que uma nova garota, Ericka (Nabiyah Be), chegue. A peça de Jocelyn Bioh (dirigida por Indecente A vencedora do Tony, Rebecca Taichman) é extremamente engraçada, com o tipo de diálogo farpado que esperamos do gênero do ensino médio. Parte do que o torna tão brilhante, no entanto, é a maneira como ele não apenas atua naqueles Meninas Malvadas tropos, mas também os subverte. No final das contas, há mais coisas acontecendo Meninas da escola do que aparece na cena de abertura; conforme a peça se aprofunda no colorismo e nas duras realidades da vida de Paulina, ela se torna ainda mais nítida. Bioh disse que queria contar um tipo diferente de história africana, e a produção do MCC está muito longe dos tipos de histórias africanas que geralmente acabam no palco. Não à toa, ele também estabeleceu um novo padrão para as apresentações de The Greatest Love of All.

17 Bob Esponja Calça Quadrada



Joan Marcus

Você não acreditaria na quantidade de energia Bob Esponja Calça Quadrada stans despende em nossos esforços para convencer os pessimistas a dar uma chance ao show, mas estamos honrados em fazê-lo. Na verdade, você nem precisa falar sobre Bob Esponja para eu deslizar para a sua conversa de repente, na verdade, o Bob Esponja musical é a coisa mais divertida que você vai ter em qualquer show da Broadway, além de ter uma trilha sonora realmente maravilhosa e um elenco de talentos legítimos, então você tem praticamente a garantia de se divertir, mesmo que nunca tenha assistido ao show. Talvez seja por isso que eu não sou convidado para mais festas? Mas, falando sério, odiadores, há um motivo para as avaliações Bob Esponja tem sido tão arrebatador: é realmente muito bom. A diretora Tina Landau de alguma forma traduziu um desenho animado da Nickelodeon em um musical da Broadway, e tudo funciona muito melhor do que deveria. A pontuação vem de artistas díspares de grande nome, como Panic! At the Disco, Flaming Lips, T.I. e John Legend, mas fluem juntos perfeitamente. E, ah, sim, aquele elenco: Ethan Slater está apresentando uma grande atuação como uma esponja de desenho animado, e há momentos de fuga de Patrick (Danny Skinner), Sandy (Lilli Cooper), Lula Molusco (Gavin Lee), Sr. Siriguejo (Brian Ray Norris) e Plankton (Wesley Taylor). Você já ouviu falar que a melhor voz na Broadway pertence a Jai’Len Josey, que interpreta Pearl? Acredite no hype.

18 Sweeney Todd: o demônio barbeiro de Fleet Street



Joan Marcus

Eu tenho visto Sweeney Todd tantas vezes que fiquei um pouco desconfiado com uma nova produção, mesmo com o truque de me servirem tortas de carne (a minha era vegetariana) antes do show. Mas a produção do Barrow Street Theatre, que transformou completamente o teatro em uma loja de tortas, não é um truque - esta é uma reencenação emocionante e envolvente do musical de Sondheim, que torna o personagem-título aterrorizante de uma maneira que eu não pensava mais ser possível. Sim, ele ainda canta, mas você também está um pouco preocupado que ele possa vir por trás de você e cortar sua garganta. Eu vi isso Sweeney Todd duas vezes, e minha segunda vez foi ainda melhor graças a Carolee Carmello como Sra. Lovett. De todas as produções que eu vi, sua performance simpática e maravilhosamente cantada é facilmente minha favorita. Embora eu não vá defender que todos os cinemas se transformem da maneira que Barrow Street fez - isso parece muito caro e demorado - eu realmente acho que este é o tipo de compromisso necessário para fazer algo antigo parecer novo novamente. Foi um risco investir tanto na criação de um espaço totalmente diferente para um programa, mas o sucesso de Sweeney Todd , tanto crítica quanto comercialmente, mostra quão bem esses riscos podem compensar.

19 Os lobos



Juliet Cervantez

Eu vi pela primeira vez Os lobos no final de 2016, quando estava no Duke na 42nd Street. Não o incluí em meu melhor teatro no ano passado, mas sua ausência me incomodou - agora que o show está sendo exibido em uma produção no Lincoln Center, com o elenco praticamente intacto, tenho a oportunidade de remediar isso. A peça de Sarah DeLappe, que acompanha um time de futebol feminino, é o tipo de jogada que cresce em você ao longo do tempo, provando ser ainda mais profunda e emocionalmente ressonante conforme você se afasta dela. É leve, com quase toda a ação - incluindo um evento traumático perto do final - ocorrendo fora do palco. É apenas ouvindo as conversas entre essas meninas que você desvenda a realidade, muitas vezes dolorosa, de suas vidas adolescentes. Um conjunto tão grande poderia facilmente se confundir, mas a força de Os lobos está na capacidade de DeLappe de definir claramente cada um de seus personagens. De alguma forma, em apenas 90 minutos, você tem uma noção clara de todos eles e pode imaginar suas vidas se estendendo muito além dos limites da peça. E, claro, isso também é um crédito para o elenco, todos os quais - Paola Sanchez Abreu, Brenna Coates, Jenna Dioguardi, Samia Finnerty, Midori Francis, Lizzy Jutila, Sarah Mezzanotte, Tedra Millan, Susannah Perkins e, na sola papel adulto, Mia Barron - são dignos de reconhecimento.

ATUALIZAR

19 de dezembro de 2017, às 16:43

Esta postagem foi atualizada para incluir uma foto da produção do Lincoln Center de Os lobos .